Come il direttore di costumi di lunga data del New York City Ballet porta la moda nelle arti dello spettacolo

Il direttore di costumi del New York City Ballet porta la moda nelle arti dello spettacolo

In onore del 75º anniversario del New York City Ballet, Rizzoli ha collaborato con Marc Happel, il direttore dei costumi della compagnia di danza negli ultimi 17 anni, per un nuovo libro intitolato “New York City Ballet: Coreografia e Alta Moda”.

L’idea è venuta a Happel circa cinque anni fa. Con l’aiuto di star culturali (come Sarah Jessica Parker, che fa parte del consiglio di amministrazione del NYCB) che si muovono tra il mondo della danza e della moda, ha saputo unire con successo i grandi talenti della moda con le arti performative. Avendo stabilito relazioni con i designer più ambiti e costruito il dipartimento dei costumi della compagnia di danza in quella straordinaria forza che è oggi, aveva senso raccontare la storia di come Happel ci sia riuscito.

Di seguito, mi guida nel suo inizio nel teatro, spiega perché i costumi sono assolutamente vitali per la performance e cosa ha comportato la realizzazione di questo libro.

Quando hai iniziato come costumista, cosa ti ha attirato nel mondo del teatro, invece di intraprendere una carriera come designer di marche, ad esempio?

Ricordo quando stavo lavorando al Guthrie Theater di Minneapolis, un amico mi disse che si stava aprendo a Broadway un nuovo musical di Bob Fosse chiamato “Dancing” e che il laboratorio dei costumi era molto indietro e disperato per l’aiuto. Siamo andati a New York in una station wagon e mi sono trasferito qui, senza sapere cosa avrei fatto realmente o se sarei rimasto.

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Ho finito per lavorare a “Dancing” con Bob Fosse e contemporaneamente mi stavo trasferendo in una delle capitali della moda del mondo. Quindi ero diviso tra i due, perché sentivo di voler lavorare nell’industria della moda, ma avevo una formazione nel costume teatrale. Alla fine, il costume teatrale aveva più senso per me, perché la ricerca storica che si fa per ogni design mi sembrava eccitante. Nella moda, sembra che si guardi sempre avanti, senza apprezzare molto il passato.

Come si sovrappongono, dal tuo punto di vista, i mondi del teatro e della moda (argutamente le due comunità più forti di New York)?

Molte volte con i designer più antichi, come Dior, si può vedere che la loro ispirazione proviene dai costumi di balletto. Certamente, il tutù romantico è qualcosa che spesso si possono vedere accenni nella moda – specialmente in passato.

Quanto sono fondamentali i costumi in un balletto per la narrazione che avviene sul palco?

Nel teatro, è ovvio perché si sta contribuendo a creare un personaggio attraverso come lo si veste. Sono stato presente alle prove in cui un attore entra e gli mettiamo il costume per la prima volta, e mi dice: “Vedo il personaggio che sto interpretando adesso”. Molte persone nel balletto pensano che i costumi siano solo un ostacolo. Molti coreografi e ballerini pensano che un costume dovrebbe essere il più semplice possibile perché vogliono vedere la linea completa del corpo.

Ma penso anche che i costumi possano davvero informare il pubblico dell’ambientazione, di chi sono questi ballerini, di in quale periodo si svolge il balletto e altro ancora. Quando il sipario si alza e si vedono i costumi per le valzer viennesi, si capisce subito dove si è.

Quali sono le fasi iniziali di cura e progettazione dei costumi per un balletto?

La maggior parte delle volte, un coreografo sceglie da solo un designer, ma lavoro con loro per trasformare il loro disegno bidimensionale in un costume tridimensionale: scegliendo tessuti, facendo le prove, guidando il designer se non ha mai lavorato nella danza prima. Progettare per un ballerino è molto diverso: sono atleti, quindi devi rendere possibile per loro ballare. È un processo fantastico che mi diverte molto.

Hai avuto l’opportunità di collaborare con molti famosi designer, com’è lavorare con coloro che non hanno mai realizzato abbigliamento da danza prima?

Li porto spesso alle prove, il che è molto illuminante per loro perché possono vedere esattamente cosa fanno questi ballerini e quanto sia atletico. Dopo di che, discutiamo di come le cose che normalmente vengono fatte in un tessuto non elastico possano essere realizzate in un tessuto elastico. Ad esempio, se vogliono utilizzare seta o organza, ci sono versioni elastiche meno conosciute di quei tessuti che utilizziamo.

Ci sono dei particolari adattamenti sfidanti che i designer non-danza devono fare?

Molti coreografi sono molto specifici nel voler vedere le linee del corpo. Vogliono vedere l’estensione completa e ogni movimento, il che è qualcosa che devo aiutare i designer a capire: i costumi devono essere un po’ meno.

C’è una collaborazione con un designer che consideri il tuo preferito o più memorabile?

Ci sono state così tante che sono state così piacevoli e gratificanti, ma Valentino [Garavani], che è stato il nostro primo collaboratore di alta moda, è stato emozionante. È la definizione di un’icona della moda. Voleva essere coinvolto costantemente, cosa che non mi aspettavo. Mi è piaciuto molto anche lavorare con Thom Browne e Giles Deacon, con cui sono diventato molto amico.

Iris Van Herpen è stata un’altra collaboratrice straordinaria. È stata una cosa divertente, perché abbiamo fatto la maggior parte del lavoro al computer. Mi mandava così tanti diagrammi ed email su come il costume dovrebbe essere fatto. È rimasta così felice del risultato, anche se era tutto fatto al computer.

Come nascono di solito queste relazioni tra coreografi e designer?

Nel corso degli anni, è diventata davvero una situazione in cui mi è stato chiesto di compilare una lista di designer che trovavo interessanti. Di solito, ogni designer veniva approvato da Sarah Jessica Parker, e poi ne presentavamo otto o dieci al coreografo.

Parker è stata nel nostro consiglio per un po’ e sostiene molto il New York City Ballet. Quando abbiamo iniziato a portare designer a collaborare con la compagnia, la New York Fashion Week si svolgeva al Lincoln Center. Abbiamo pensato che sarebbe stata una collaborazione interessante tra designer emergenti e coreografi.

Come è stata la cura delle immagini per questo libro? Quali idee volevi sicuramente presentare?

Ho voluto sicuramente combinare le fotografie finali con gli schizzi di ogni designer, in modo che il lettore potesse vedere come queste idee prendono vita. Ho anche incluso molte citazioni da designer, coreografi e ballerini per dare un’idea di come sia progettare per il NYC Ballet.

Abbiamo passato una settimana a scattare tutte le immagini con Pari Dukovic. Da lì, ho iniziato a lavorare con Sarah Gifford, una brillante designer di libri; mi piaceva il modo in cui metteva insieme i libri ed è stata molto paziente con me, perché avevo un’idea molto chiara di come volevo che questo libro fosse. Era aperta a tutto. Ha riso quando l’ho incontrata la prima volta perché ho detto: “Non voglio pagine bianche. Voglio che sia come una scatola di gioielli quando la apri”.

C’è un messaggio generale che vuoi che i lettori conservino?

Voglio che le persone vedano cosa significa fare costumi per il New York City Ballet. Penso che molte persone non vedano o capiscano veramente quanto incredibile sia il processo. Questo libro celebra l’incredibile diversità di designer, pensieri, silhouette e altro ancora che provengono dal laboratorio di costumi del New York City Ballet. Gli artisti che lavorano qui sono gli eroi anonimi del balletto.

Come consiglieresti a un giovane costumista di entrare nell’industria oggi?

Collegati con la storia in qualche modo. Guarda al passato. Penso che ora si tratti di guardare al futuro, ma gran parte di ciò si basa su ciò che è già stato splendidamente progettato in passato.

Questa intervista è stata modificata e condensata per chiarezza.

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